Los Angeles (tca/dpa) — C’est la saison Picasso à Los Angeles.
Deux nouvelles expositions formidables, l’une petite et l’autre grande, toutes deux inédites, répondent à la question : Pablo Picasso (1881-1973) est-il surexposé dans les musées américains ?
En un mot, non. Le livre récent de Hugh Eakins, « Picasso’s War: How Modern Art Came to America », nous rappelle que le titan régnant de l’avant-garde parisienne n’était pas exactement adopté aux États-Unis avant la Seconde Guerre mondiale. Depuis lors, il n’a jamais quitté l’écran radar institutionnel. Pourtant, si le cadrage curatorial est suffisamment avisé, il y a beaucoup à gagner à regarder à nouveau.
Les expositions au Norton Simon Museum de Pasadena et au UCLA Hammer Museum à Westwood sont toutes deux des premières, ce qui est assez remarquable pour un artiste si abondamment étudié.
Le petit spectacle est « Picasso Ingres: Face à Face » au Simon – juste deux peintures, à peu près de la même taille, toutes deux tueuses. Le jumelage a été organisé par Christopher Riopelle, conservateur de la National Gallery de Londres, où il a été vu pendant l’été, et la conservatrice en chef de Simon, Emily Talbot.
Pour la première fois, la fascinante « Femme au livre » de 1932 de Picasso, acquise par le regretté Norton Simon en 1960, est accrochée à côté de l’image extraordinaire dont l’Espagnol a adapté la composition pour la sienne – d’une manière à la fois affectueuse et impétueuse. Jean-Auguste-Dominique Ingres de 1856 « Madame Moitessier » est l’un des deux portraits que l’artiste a fait de Marie-Clotilde-Inès Moitessier, une femme qu’il appelait « la belle et bonne » – la belle et la bonne.
L’Ingres, un trésor incomparable de la National Gallery jamais vu en Californie, est une somptueuse extravagance, un portrait de la femme d’un riche marchand vêtu de soie marquée par un motif floral opulent, une parure de cheveux en dentelle blanche complexe et une cascade de satin rose, ainsi que des bijoux épais et accrocheurs. Un éventail peint est caché sous sa main gauche, et elle est entourée de meubles qui signifient sa richesse bourgeoise de la haute société, dont son léger et doux sourire « Mona Lisa » suggère qu’elle est très heureuse.
Le Picasso fait partie d’un ensemble extraordinaire de portraits de 1932 de Marie-Thérèse Walter, l’amante beaucoup plus jeune de l’artiste. (Elle avait 23 ans, il en avait 51.) Comme Moitessier, Walter porte une robe à fleurs et est assis dans une chaise rembourrée. De même, sa tête est représentée de trois quarts, ne reposant pas exactement sur une main droite levée. Son index tape sur sa tempe pour évoquer la pose classique de la déesse d’Arcadie dans une célèbre fresque romaine d’Herculanum.
Les doigts des mains levées des deux femmes sont sans structure squelettique, langoureux et à l’aise. Derrière Walter, une image encadrée d’une tête de profil fait écho à la tête en miroir derrière Moitessier dans le portrait d’Ingres. Il n’y a pas de mobilier glamour – juste une porte-fenêtre, ses vitres noircies suggérant l’obscurité de la nuit.
Au-delà de ces similitudes générales dans la composition, la teneur des peintures ne pouvait pas être plus différente. Moitessier est majestueux, Walter plus humble. Moitessier est enveloppée dans un tissu floral de luxe avec des épaules nues à la mode, Walter dans un chemisier folklorique à manches bouffantes, glissant de manière provocante sur ses côtés. Moitessier est élégamment correct, Walter est ébouriffé, les seins sortant d’un bustier transparent.
Plus révélateur, l’éventail fermé de Moitessier est maintenant un livre ouvert, que Picasso a déplacé du côté vers une position centrale sur les genoux de Walter.
Les pages en forme de V flottent dans ses doigts également écartés, créant une double image surprenante suggérant la masturbation. (L’acte n’est pas mentionné dans le catalogue de l’exposition par ailleurs complet, qui est aussi chaste que Mme Moitissier.) Il prend sa place avec d’autres peintures ravissantes de Walter de 1932, y compris la fellation en cours – avec un soupçon de castration dans sa langue en forme de poignard. – dans « The Dream » et la scène de bondage délirante dans « Nude, Green Leaves and Bust ».
Le Picasso est une peinture de sexe, le vertueux Ingres ne l’est absolument pas. Ce qui soulève la question : qu’est-ce que l’Espagnol a vu dans le chef-d’œuvre du Français, qu’il avait rencontré bien plus tôt dans une célèbre exposition parisienne de 1921, qui l’a amené à l’utiliser pour une peinture très différente ? Pour moi, une réponse est dans l’optique.
Ingres a passé 12 années atroces à obtenir chaque détail exquis de son portrait. Certains pensent qu’il a utilisé l’objectif d’une caméra lucida pour rendre les modèles aussi fidèlement que possible, ce qui rend deux détails surprenants. Ces doigts désossés près de son visage remplissent de multiples fonctions, impliquant son érudition dans la référence arcadienne et son loisir habituel dans leur affaissement langoureux. Et le reflet du miroir est optiquement faux, enregistrant Inès Moitissier de profil — ce qui est impossible.
C’est probablement ce qui a intéressé Picasso.
Il avait prêté attention à Ingres depuis sa jeunesse, et le naturalisme intensément observé du peintre plus âgé était toujours manipulé de manière convaincante pour atteindre des objectifs expressifs. Si le reflet du miroir ne correspondait pas à la réalité visuelle, cela était secondaire à son désir de cadrer et de flatter son sujet comme si elle était une impératrice sur une ancienne pièce de monnaie romaine.
Picasso a transformé ce profil de miroir en une peinture accrochée au mur derrière Walter. C’est aussi une tête de style romain, mais elle fusionne ses profils et ceux de son amant, planant maintenant au-dessus d’elle ensemble alors qu’elle se fait plaisir. L’exploration psychologique érotique de la peinture surréaliste rencontre l’intimité visuelle inhérente à l’invention cubiste de Picasso, dans laquelle plusieurs côtés d’un objet sont vus à la fois, tout comme ils le seraient s’ils étaient tenus près des yeux d’un spectateur.
Essayez-le vous-même : la prochaine fois que vous embrasserez quelqu’un avec passion, gardez les yeux grands ouverts ; les traits de votre amant se briseront en de multiples perspectives fragmentaires, vues toutes ensemble. Regardez maintenant le visage de Walter, vu de face et de côté à la fois. Ce que l’œil voit était aussi important pour Picasso que pour Ingres.
Picasso a terminé sa peinture impétueuse en quelques jours seulement. C’est presque une réplique abrupte et indélicat au raffinement laborieux d’Ingres. (La surface de ce dernier est même très finie et lisse, tandis que celle du premier est rugueuse et grossière.) Par l’imitation Picasso enregistre une profonde admiration pour Ingres, tout en prenant possession et en s’appropriant le portrait.
À travers la ville, lors du grand spectacle Hammer, une enquête fracassante sur un ensemble d’œuvres inattendues se déroule – littéralement. Pour la première fois, « Picasso : Cut Papers » rassemble une centaine d’exemples d’œuvres sur — et dans — du papier incisé aux ciseaux. Considérez-le comme un spectacle pop-up avec des objets en trois dimensions, à l’échelle la plus modeste et fabriqués à partir de papier plié.
Les plus anciennes – charmantes silhouettes d’un chien et d’une colombe – datent d’environ 1890, lorsque l’artiste précoce avait 9 ans. L’inventivité de l’observation est fascinante, en particulier dans la colombe, le contour incurvé de son aile fermée réalisée à les petits ciseaux à broder de sa tante Eloisa.
Les dernières sont des collaborations de 1962 avec le photographe André Villers, réalisées alors que Picasso était octogénaire. (Il est mort à 91 ans.) Des découpes et des tissus ont été posés sur du papier photographique sans appareil photo exposé à la lumière, donnant une vision alchimique en couches de paysages éthérés, de musiciens et de portraits.
Le spectacle s’ouvre chronologiquement, alignant 15 œuvres réalisées dans les années 1910, qui exposent la plupart des diverses approches qu’il adoptera au cours des sept prochaines décennies. Après cela, les papiers découpés sont installés de manière révélatrice qui se répercutent les uns sur les autres.
On associe le papier découpé à Matisse, dont les ciseaux fabriquaient des formes étonnantes à partir de couleurs vives. En revanche, les 15 œuvres d’introduction de Picasso culminent dans une éblouissante petite construction en papier brun d’une guitare posée sur une table devant une fenêtre. Il mesure moins de 7 pouces de haut. L’espace négatif et la matérialité positive s’interpénètrent dans une extraordinaire condensation formelle de la technique cubiste. Il évoque l’étude de sculpture presque grandeur nature de Picasso, « Guitare » (1912), non pas dans l’exposition mais à un moment charnière de la révolution cubiste.
En parlant de la conception de l’installation, c’est exceptionnellement beau. L’Agence NC Nathalie Crinière, basée à Paris, a centré une pièce carrée bleu-gris foncé à l’intérieur de la galerie carrée principalement blanche, avec des découpes perçant les quatre coins pour superposer les vues dans les espaces intérieurs et extérieurs. Certains objets sont dans des boîtes d’ombre, tandis que de nombreuses feuilles plates sont placées sur des étagères inclinées, qui s’étendent pour faciliter la visualisation. Le design élégant est articulé et généreux.
Les commissaires Cynthia Burlingham, directrice du UCLA Grunwald Center for the Graphic Arts, et Allegra Pesenti, ancienne directrice associée et désormais indépendante, ont regroupé les œuvres en catégories lâches, la plupart basées sur des techniques de fabrication : silhouettes, papiers déchirés et perforés, épinglés et collés. , etc. (Leur catalogue est excellent, un ajout essentiel à la volumineuse bourse Picasso – ce n’est pas une mince affaire.) Bernard Ruiz-Picasso, petit-fils de l’artiste, et sa femme, la galeriste Almine Rech, et les musées Picasso de Paris et de Barcelone sont les principaux prêteurs . La plupart des œuvres ont été rangées dans des dossiers plats pendant des années, ce qui les a conservées intactes et constitue désormais une opportunité rare et surprenante. (Le spectacle ne voyagera pas.)
Un petit nombre de sculptures sont en tôle pliée – un cheval jouet, une chaise, une mère et son enfant – qui rappellent la construction de nombreuses sculptures monumentales de Picasso. Un sentiment d’espièglerie obsessionnelle, curieuse et vorace parcourt l’exposition. C’est un esprit qui est certainement lié à, mais distinctement différent, de la bagarre de débauche qui se déroule à Pasadena.
