Dominic Albano n'a pas commencé avec des croquis ou des mood boards. Il a commencé avec un sentiment, celui qui vit dans une image bien avant qu’elle ne devienne un vêtement.
Le designer et photographe derrière la COLLECTION DOMINIC ALBANO crée un espace où la mode et la narration visuelle sont indissociables. Sa dernière série Polaroid, récemment mise en lumière par Hors Magazines'appuie sur un langage visuel ancré dans l'histoire queer tout en restant ancré dans le présent.
« Je suis entré dans la mode du point de vue de l'imagerie », raconte Albano. Gayeté. « Les photographes queer d’un autre temps m’inspirent bien plus que le simple fait de confectionner des vêtements. »
Où l’histoire queer rencontre le désir moderne
L'œuvre d'Albano ne recule pas devant la forme masculine, elle l'étudie. Ses images semblent intimes sans être intrusives, sensuelles sans exiger d'attention.
«Je pense que cela a beaucoup à voir avec cela», dit-il à propos de son identité queer qui façonne son travail. « Dans la culture queer, il y a toujours eu un réconfort dans la sensualité et la forme masculine… Je suis attirée par cette tradition. »
Cette lignée est claire. Ses références couvrent des décennies de photographie queer, mais l’intention n’est pas l’imitation. Il s’agit plutôt de poursuivre une conversation visuelle.
« Ce qui peut paraître audacieux à un public plus large semble souvent assez raffiné au sein de notre communauté », ajoute-t-il. « Ces traditions visuelles existent depuis des décennies dans l’art et la mode queer. »
Les vêtements viennent en deuxième position, et c'est là le point
Contrairement à de nombreux créateurs, Albano ne commence pas par le vêtement. L’image mène et le vêtement suit.
« Cela commence toujours par les vêtements », précise-t-il, « mais les Polaroïds sont destinés à encadrer les vêtements dans une atmosphère particulière plutôt que de raconter une histoire littérale. »
Cette distinction est importante. Ses pièces ne sont pas conçues pour dominer un cadre, elles existent à l'intérieur de celui-ci. Le résultat est des vêtements qui semblent faciles à regarder devant la caméra, sans excès.
« Je réfléchis toujours à la manière dont un vêtement existera au sein d'une image », dit-il. « Les pièces sobres ont tendance à être photographiées d'une manière qui semble intemporelle. »
Le pull des années 90
Il y a un léger clin d'œil aux années 1990 dans l'œuvre d'Albano, non pas comme un appât à la nostalgie, mais comme une étude sur la retenue.
« Je pense que les années 1990 ont été un tournant pour la photographie de mode », dit-il. « Il y avait un nouveau niveau de sensualité et de beauté dans les images d'hommes. »
L'influence de cette époque se manifeste dans la simplicité de ses compositions et dans la manière dont les corps sont cadrés. Rien ne semble surmené. Rien n’appelle l’attention.
Au lieu de cela, les images persistent.
Capturer quelque chose de réel
L'approche d'Albano de la sensualité évite la performance. Beaucoup de ses moments préférés se produisent avant le début officiel du tournage.
« Parfois, quelque chose se produit naturellement… et j'ai envie de capturer ces moments imprévus », dit-il. « Je suis attiré par les images qui semblent sobres plutôt que trop posées. »
Cette retenue donne à son travail son avantage. Il y a une tension tranquille dans la façon dont les corps se déplacent à travers le cadre, un équilibre entre présence et anonymat.
Créer sans surproduction
Travailler en dehors des systèmes de mode à grande échelle donne à Albano une marge d’expérimentation, même si cela implique des compromis.
« L’une des réalités d’aujourd’hui est la censure des médias sociaux », explique-t-il. « Les images qui semblent naturelles dans un contexte de mode ou artistique peuvent parfois être traitées différemment en ligne. »
Pourtant, l’indépendance lui convient. De nombreux tournages se déroulent dans des espaces personnels, souvent entre amis.
Au cours d'une séance, ce qui a commencé comme un tournage s'est transformé en quelque chose de plus organique.
« Nous dansions sur de la musique, allions dans la piscine et étions plus libres pendant le tournage », se souvient-il. « Des moments comme celui-là me rappellent que le processus doit être collaboratif. »
Les polaroïds comme artefacts, pas seulement comme images
Les Polaroïds eux-mêmes ont pris une vie au-delà de la documentation. Ce ne sont pas de simples références, ils font partie de l'identité de la collection.
« Les Polaroids ont été créés à l'origine pour contribuer à façonner l'univers visuel de la marque », explique Albano. « Au fil du temps, ils sont devenus des artefacts de ce processus. »
Cette évolution a ouvert de nouvelles possibilités. Les acheteurs peuvent se connecter à la fois aux vêtements et aux images qui les définissent.
« J'aime l'idée que quelqu'un puisse porter ces vêtements et posséder l'un des Polaroïds originaux », ajoute-t-il. « Cela crée un dialogue entre le vêtement et la photographie. »
Une approche discrète de la visibilité
Bien que le travail d'Albano soit imprégné de culture visuelle queer, il hésite à le présenter comme une pièce maîtresse.
« Je ne sais pas si mon travail lui-même contribuera à ces conversations », admet-il. « Si les vêtements sont beaux et que les photographies excitent ou inspirent ne serait-ce qu'une seule personne, je peux en être fier. »
C'est une prise modeste, surtout pour un travail qui semble si délibéré.
Mais c'est peut-être là le point.
Albano n'essaye pas d'être bruyant. Il construit quelque chose de plus lent, de plus intentionnel, un monde où la mode n'existe pas seulement sur un podium, mais vit à l'intérieur d'une image qui pourrait appartenir à n'importe quelle époque.
